Correzioni

Dans le gout du gotique courtois et dans les commandes de très bon standing la miniature a un role vraiment particulier: ce tableau de considérables dimensions est concu comme une grande page enluminé et c'est significatif le fai qu'il est attribué à Stefano Da Zevio ou à Michelino Da Besozzo, deus paintres de la Cour actifs entre Lombardie et Vénétie, tous les deux experts en l'art de la décoration enluminé.

Si la miniature offre le point de répère stilistique, la scène est composé avec des materiaux somptueux comme l'or et le lapis-lazuli, de manière à apparaitre elaborée et précieuse comme un ouvrage d'orfevrerie.

Dans le splendeur doré d'un espace divin, vaste et indistinct, la scène se débrouille avec enchanté tendresse.

Elle se déroule dans un "hortus conclusus", le charmant jardin entouré d'espaliers de roses que symbolisent la pureté de la Vierge.

La présence des paons, perchés sur les barrières des espaliers donne au jardin l'aspect noble et somptueux du parc princier.

Dans l'art chrétienne le paon est l'animal symbolique de l'immortalité.

Beaucoup d'anges enrichissent la scène: cenrtains d'entre eux cueillent des pétales de rose, la fleur traditionnellement liée à la figure de Marie.

L'elaborée fontaine gotique, outre qu'etre un indispensable ornement du jardin, fait allusion à la définition de la vierge comme "fons gratiae", fontaine de la Grace, mais on ne peut pas exclure meme une référence à la légendaire "fontaine de la jeunesse", souvent citée dans les contes chevaleresques.

Meme si dans la partie haute de la composition on entrevois un angle du jardin, le peintre renonce entièrement à la recherche d'une perspective exacte: figures, anges, animaux et fleurs se superposent librement, sans aucune préoccupation de réalisme et de proportion, mais avec le plaisir d'un conte féerique.

La Vierge avec l'Enfant dans ses bras est assise directement sur le pré fleuri, avec l'attitude simple et modeste appelée "Vierge de l'Humilté", alternative à la solennelle pose en trone ou "Majesté", qui est choisie le plus souvent pour les retables plus imposantes.

Meme l'Enfant participe à cette atmosphère plus familiale et aimable, en se mettant spontanément un doigt en bouche: en revanche, en se traitant d'une oeuvre certainement destinée à la Cour, ne manquent pas des références à la royauté de Marie, comme le grand manteau brodé ou les étoiles étincelantes autour de la tete.

L'élégante figure féminine dans la partie basse du tableau est sainte Caterina D'Alessandria, bien identifiable par sa voyante couronne et par les vetements royaux, outre que par les objets (la roue, la branche de palmier porté par un ange) qui symbolisent le martyre subit.

Etant une princesse, Caterina est l'une des saintes préférés de l'art gotique des Cours, indiquée comme modèle de grace pour les dames, aussi bien que saint Georges était considéré comme modèle pour les gentilhommes.